Thomas Arnolds

Thomas Arnolds
RUN (light)
Nosbaum Reding

In den hier erstmals präsentierten neuen Malereien seiner RUN-Serie verfolgt Thomas Arnolds (*1975 in Geilenkirchen) weiterhin das, was laut dem französischen Philosophen Gilles Deleuze jede Künstlerin und jeder Künstler unweigerlich tun muss, der innerhalb der Malerei arbeitet: die gesamte Geschichte des Mediums rekapitulieren, und darin dann das eigene Werk situieren. Von hier aus schleicht sich bei Arnolds das Gefühl ein, er widmet sich dieser monströsen Aufgabe gleich einer Parabel: er beginnt mit sich selbst, dem Medium und dessen Bedingungen, faltet dies über ein Jahrzehnt aus, und landet dann wieder bei sich selbst. Doch langsam, vorsichtig - denn vielleicht ist es doch nicht so.

Die künstlerische Arbeit des seinerzeit hochgradig prekären Künstlerindividuums startet um 2007 herum mit einer Befragung der heimischen Wohn-/Arbeitsküche, in der unterdessen fast ikonischen, abstrakte wie figürliche Anteile vermengenden, RGB-Serie. In den Folgejahren wird das Werk zunehmend spartanischer, zumindest, was klar als bildliche Zeichen identifizierbare Elemente angeht. In den 2010er Jahren wendet sich Arnolds insbesondere dem materiellen Wert und der Wirkung von Farbe zu, was er in verschiedenen Serien durchdekliniert wurde. Häufig dient Motiv wie zuletzt der Bonsai, aber auch der Säulenfuß, oder der Holzschuh als Anlass für malerische Experimente, die die Malerei über ihre Definition als Objekt oder als Ding begriffen – sicherlich auch der Tatsache von Arnolds‘ Ausbildung als Steinmetz an der klösterlichen Diözese zu Aachen geschuldet.

Die Jetztzeit lässt sich in vielerlei Hinsicht als Zäsur begreifen, in der sich zugunsten der ungezähmten technologischen, wirtschaftlichen Beschleunigung der letzten 30 Jahre eine gewisse Verlangsamung einstellen sollte, die in der Wirtschaft etwa mit Begriffen wie „Postwachstumsökonomie“ beschrieben werden: das ungebremste Rasen in die Zukunft weicht dem Blick zurück. Und da der Begriff Ökonomie sich auch auf das ideelle wie faktische Material anwenden lässt, mit dem Künstlerinnen und Künstler arbeiten – in einem Moment, in dem Fragen des Ökologischen wie des Sozialen medienspezifische Debatten des Modernismus endlich verdrängen – öffnen sich auch bei Arnolds neue, möglicherweise biografische Konturen im Werk, auch wenn dies in zarter Weise geschieht, beinahe – aber nur beinahe - zeichnerisch.

Run (light) ist eine Fortsetzung von Run (Disegno) – einer im Frühjahr 2021 erstmals präsentierten, bereits vom Titel her das Zeichnen betonenden Serie: in seiner Spurenhaftigkeit unterscheidet sich von der Malerei allein schon dadurch, dass Zeichnungen nicht imstande sind zu lügen, während Malereien dazu gemacht sind (wolle man sich dieser Sache zynisch nähern). Was aber ist auf Arnolds‘ neuen Bildern überhaupt zu sehen? Zwar tauchen alte Bekannte auf wie der bereits in unzähligen Versionen quasi durchmalte Säulenkopf, der in dieser Ausstellung auch in seiner Variation als Zeichnung anwesend ist, doch auch eine neue Armada vernebelter, teils nicht direkt erkennbarer Motive wie Spinnennetz, Totenkopf, Kobra, oder Fischgräte bahnt sich ihren Weg.

Schleierhaft drängen sie sich durch monochrome Flächen hindurch, oder in diese hinein, darüber, und werden durch weitere dieser Flächen ergänzt. Solch scheinbar unkontrollierte, gestische Äußerungen kannte man bei Arnolds bislang nur in der Farbe und in der Fläche selbst, quasi als bildhauerische Geste – und vielleicht sind diese nun auch nur durch eine innerbildliche Erwiderung und Ergänzung von mehr Monochromie möglich sind. Ob Arnolds daran erinnert, dass er neben seiner Identität als bildender Künstler ein passionierter Skater, ein überzeugter Antifaschist, ein Familienvater, und so vieles mehr ist, das bleibt einmal dahingestellt. Wichtiger scheint, dass diese, in der vormodernen Kunst immer wieder verwendeten Vanitas-Symbole eine narrative Dimension besitzen die Arnolds bislang verweigert hat – eine Dimension, die der Künstler möglicherweise in den nächsten zehn Jahren weiter erforschen wird.

Martin Germann

Ansichten der Ausstellung  ©Alexandre Ismail
Oeuvre Fotos  ©Mareike Tocha

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Thomas Arnolds
Run (light)
Nosbaum Reding Brussels

In the new paintings of his series Run, shown here for the first time, Thomas Arnolds (b. 1975 in Geilenkirchen, Germany) further pursues what, according to the French philosopher Gilles Deleuze, every artist who works within painting must do, namely, recapitulate the entire history of the medium and then situate their own work within this history. But with Arnold, there is a sense that he is devoting himself to this colossal task as though it were a parable: he began with looking at himself, the medium and its conditions, developed this nexus for over a decade and then ended up facing himself again. But let’s not jump to conclusions – maybe everything isn’t quite what it seems.

The work of this painter, who was then living a distinctly precarious artist’s life, started around 2007 with an investigation of his own living room/kitchen studio in the now near-iconic series RGB, in which he freely merged abstract with figurative elements. In the following years his work became increasingly spartan, at least as far as the presence of clearly identifiable pictorial symbols was concerned. In the 2010s Arnolds turned his attention more specifically to materiality and the effect of colour, two aspects that he went on to explore extensively in several series. The motif, such as the recent bonsai tree but also the pedestal and the wooden shoe, often served as an occasion for painterly experiments that apprehended painting via its definition as an object or thing – a circumstance certainly owed in part to Arnold’s training as a stonemason in the monastic diocese at Aachen.

Our present can be understood in many ways as a turning point at which the unfettered technological and economic acceleration of the last thirty years is bound to be counterbalanced by a kind of slowing-down, a condition termed by some economists as ‘post-growth economy’: unbridled progress is to make way for contemplation. And since the term ‘economy’ can also be applied to the ideal and factual material with which artists work – at a time when ecological and social issues are finally displacing modernism’s media-specific debates – new, possibly biographical outlines also appear in Arnolds’s work, albeit delicately, in a form that is close to – but only close to – drawing.

Run (light) is a continuation of Run (Disegno), a series first presented in the spring of 2021 whose very title points to drawing. Drawing, because it operates with traces, differs from painting in that the former cannot lie while the latter intends to do just that (if one wanted to approach the matter cynically). But what can we actually see in Arnolds’s new paintings? While we encounter old acquaintances such as the capital, which has already been painted through in innumerable versions and is also present in this exhibition in a drawing variation, a new armada of partly blurred, not immediately recognisable motifs, such as a spider web, a skull, a cobra or a fishbone, is coming to the fore.

These veiled elements force their way across, among and above monochrome surfaces, and are supplemented by more surfaces of the same kind. In Arnolds’s work, such seemingly uncontrolled, gestural expressions had until now been confined to the treatment of colour and surface, acting quasi as a sculptural gesture – and perhaps these latest iterations are only possible thanks to their reverberations within the image and the accrued presence of monochromatic elements. Whether Arnolds wants to remind viewers that, in addition to his identity as a visual artist, he is a passionate skater, a staunch anti-fascist, a family man and so much more, is anyone’s guess. More importantly, these vanitas symbols, used again and again in premodern art, possess a narrative dimension that Arnolds has so far refuted but which he may well continue to explore over the next decade.

Martin Germann
Translation: Patrick (Boris) Kremer
Exhibition views  ©Alexandre Ismail
Oeuvre Photos  ©Mareike Tocha
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Thomas Arnolds
Run (light)
Nosbaum Reding Bruxelles

Dans les nouvelles peintures de sa série Run, présentées ici pour la première fois, Thomas Arnolds (né en 1975 à Geilenkirchen, Allemagne) poursuit ce que, selon le philosophe français Gilles Deleuze, tout peintre est contraint de faire, qu’il le veuille ou non, c’est-à-dire résumer à sa manière toute l’histoire de la peinture, puis situer son propre travail au sein même de cette histoire. Partant de là, l’on ne peut s’empêcher de penser que Thomas Arnolds se consacre à cette tâche colossale à la manière d’une parabole : il commence par s’intéresser à lui-même, au support et à ses conditions matérielles, puis développe ces réflexions pendant plus de dix ans pour enfin se retrouver face à lui-même. Mais attention aux conclusions hâtives : les choses ne sont peut-être pas aussi simples qu’il n’y paraît.

Le travail de ce peintre, qui mène à l’époque une vie d’artiste tout ce qu’il y a de plus précaire, commence vers 2007 avec une réflexion sur son salon/cuisine-atelier dans RGB, une série que l’on est tenté aujourd’hui de qualifier d’iconique et dans laquelle il mêle joyeusement abstraction et figuration. Dans les années suivantes, son travail deviendra de plus en plus spartiate, du moins en ce qui concerne la présence de symboles picturaux clairement identifiables. Dans les années 2010, l’artiste s’intéresse plus particulièrement au matériau pictural et à la couleur, qu’il explore alors dans plusieurs séries. Le motif, tel que le bonsaï plus récent mais aussi le piédestal et le sabot en bois, est souvent prétexte à des expérimentations picturales où la peinture est pensée comme objet ou chose – une manière de voir qui, à n’en point douter, se doit en partie à sa formation de tailleur de pierre auprès du diocèse monastique d’Aix-la-Chapelle.

Notre présent peut être compris à bien des égards comme un moment de rupture où la formidable accélération technologique et économique des trente dernières années est appelée à laisser place à une sorte de ralentissement dans ce que certains économistes qualifient déjà d’« économie post-croissance » : fini le progrès à tombeau ouvert, place à la contemplation. Sachant que le terme « économie » peut également être appliqué au matériau idéal et factuel que manipulent les artistes – ce à une époque où les problématiques écologiques et sociales prennent enfin le pas sur la focalisation moderniste sur le medium – de nouveaux contours, possiblement biographiques, se dessinent également dans le travail de Thomas Arnolds, bien qu’ils le fassent de manière délicate, sous une forme proche – mais seulement proche – du dessin.

Run (light) prend la suite de Run (Disegno), une série présentée pour la première fois au printemps 2021 et dont le titre même évoque le dessin. Celui-ci, parce qu’il a valeur de trace, se distingue de la peinture en ce qu’il ne saurait mentir, là où cette dernière a justement le mensonge pour but (si l’on voulait aborder cette question avec cynisme). Mais alors, que voyons-nous dans les nouvelles peintures de Thomas Arnolds ? Si nous y rencontrons de vieilles connaissances telles que le chapiteau, dont la représentation a été travaillée et retravaillée en d’innombrables versions et qui est également présent dans cette exposition sous la forme d’un dessin, nous assistons également à l’émergence de toute une armada de nouveaux motifs en partie brouillés, que l’on peine parfois à identifier au premier regard : une toile d’araignée, un crâne, un cobra, une arête de poisson.

Ces éléments voilés se frayent un chemin pour traverser, jouxter ou se superposer aux surfaces monochromes, et sont complétés par d’autres surfaces du même genre. Dans le travail de Thomas Arnold, ces expressions gestuelles apparemment incontrôlées étaient jusqu’alors confinées à la couleur et à la surface, opérant quasiment comme un geste sculptural – et il se pourrait bien que ces manifestations récentes ne soient possibles que grâce à leur réverbération au sein de l’image et une accentuation notable de la monochromie. Que Thomas Arnolds veuille rappeler au spectateur qu’outre son identité d’artiste visuel, il est un skateur passionné, un antifasciste convaincu, un père de famille et bien plus encore, reste matière à spéculation. Ce qui est plus important, c’est que ces symboles de vanité, utilisés à tout escient dans l’art prémoderne, possèdent une dimension narrative que l’artiste a toujours réfutée, mais qu’il semble bien disposé à explorer au cours de la prochaine décennie.

Martin Germann
Traduction: Patrick (Boris) Kremer
Vue des expositions  ©Alexandre Ismail
Photo des oeuvres  ©Mareike Tocha