Tina Gillen

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Tina Gillen

HEAT

Depuis plus de vingt-cinq ans, Tina Gillen développe une œuvre picturale animée par une recherche toujours renouvelée autour des relations que nous, êtres humains, entretenons avec le monde qui nous entoure, que celui-ci soit construit ou naturel.  Ses œuvres ont souvent pour point de départ des motifs issus d’images photographiques, qu’il s’agisse d’images qu’elle réalise elle-même, au gré du quotidien, ou qu’elle collecte. Ces images, elle les modifie, les simplifie, les « traduit » picturalement, les associe à d’autres éléments, afin d’aboutir à des compositions qui nourrissent à dessein une certaine ambiguïté, entre abstraction et figuration, construction et improvisation, surface de la toile et traduction de l’espace. Se dégage de ses peintures une atmosphère souvent dense, enveloppant des formes issues du quotidien d’un voile de mystère et d’étrangeté.

Réunissant un ensemble de nouvelles peintures, l’exposition que Tina Gillen a imaginée pour la galerie Nosbaum Reding prolonge des recherches qu’elle a entamées il y a plusieurs années et qui ont également abouti à l’exposition Faraway So Close, présentée actuellement à Venise, dans le cadre du Pavillon du Luxembourg à la 59^e Biennale de Venise. Comment appréhender le paysage aujourd’hui, à l’heure de l’anthropocène ? Comment figurer des phénomènes qui échappent en grande partie à notre contrôle, comme les événements météorologiques ou l’élévation du niveau des mers ? Vecteur de ces interrogations, le thème de la chaleur devient ici le support d’expérimentations picturales.

Au cœur de l’exposition Heat se situe un ensemble de peintures de grandes dimensions offrant une variation autour d’un même motif. Chacune d’elles dépeint un paysage abstrait, atmosphérique, suggéré par un dégradé de couleurs que l’on observe à travers une structure géométrique dont la forme évoque des fenêtres, du fait notamment de l’effet de perspective qui s’y met en place. On retrouve là la tension dont le travail de Tina Gillen ne cesse de se nourrir, entre deux versants de son vocabulaire pictural : un versant « architectural », « graphique », fait de formes rigoureusement et minutieusement composées, et un versant plus « lyrique », qui laisse une large place aux gestes, et à ce qui advient durant l’acte même de peindre. L’artiste aime rappeler que, d’une certaine manière, la peinture se génère d’elle-même.

Ces paysages font jouer à plein le pouvoir d’évocation des couleurs, l’effet émotionnel et la sensation physique que celles-ci peuvent susciter chez le spectateur. Deux des toiles déploient des couleurs « froides » – des verts, des bleus, mêlés à des noirs. Une autre peinture fait au contraire appel à des couleurs « chaudes » – l’orange et le rouge –, desquelles semble irradier la chaleur autour de laquelle Tina Gillen a choisi d’articuler son exposition. L’atmosphère qui s’en dégage rappelle les ciels que l’on peut observer lors d’épisodes d’incendie, de phénomènes météorologiques extrêmes ou de pollution : des ciels chargés de poussière, de fumée, de particules, qui épaississent l’air jusqu’à y former des strates. L’une des sources d’inspiration de cet ensemble de toiles, que l’on pourrait par ailleurs situer dans la longue tradition picturale du paysage vu depuis une fenêtre, a été des images prises depuis des tours de guet utilisées pour la surveillance de zones forestières, dans le cadre de la lutte contre les incendies. Le spectateur se retrouve comme au centre d’un espace d’observation, immergé dans un paysage se déployant de toute part – une impression accentuée par l’agencement des toiles dans l’espace d’exposition.

De facture plus spontanée, les autres œuvres de l’exposition, peintes sur de plus petits formats, sur papier ou sur toile, s’attachent à saisir des états temporaires, transitoires, sur le mode de la notation. Elles offrent d’autres variations autour des thèmes du paysage et de la cabane, de l’intérieur et de l’extérieur. S’y met en place tout un jeu de relations, de points de vue et de passages entre ces deux mondes. Plusieurs d’entre elles, dépeignant des architectures en suspension dans un environnement évanescent, semblent s’attarder sur l’atmosphère qui les relie. « La cabane flotte, lévite, comme un nuage porté par le vent, un ballon en plein air, ou un oiseau en vol stationnaire (…) ; mais aussi bien comme un fantôme, une âme, ou un souffle soulevant subtilement l’haleine du monde[1]. », écrit Marielle Macé à propos de l’installation de l’artiste à Venise, qui a pour point de départ un motif semblable.

En réalisant ces œuvres, Tina Gillen a souvent pensée au H?j?ki, ou Notes de ma cabane de moine, de Kamo no Ch?Mei. Écrit il y a plus de huit siècles, ce texte essentiel de la littérature japonaise résonne étrangement avec notre présent. L’auteur y décrit à la fois les tourments qui affectèrent le Japon à cette période – les incendies, les vents extrêmes, les inondations, les tremblements de terre, les sécheresses – et sa vie dans sa « cabane de dix pieds carrés », en retrait, non pas tant du monde, car il y est pleinement immergé, que de la société. Dans les premières lignes de son texte, Kamo no Ch?Mei écrit : « Le courant d’une rivière s’écoule sans s’arrêter, mais l’eau n’est pas la même ; l’écume qui flotte dans les remous tantôt disparaît, tantôt renaît, mais ne dure jamais longtemps. Tels sont, en cette vie, les hommes et leurs demeures. » C’est une méditation similaire que nous offre Tina Gillen sur la relation étroite qui nous lie à nos lieux de vie, et sur le destin commun que nous partageons avec eux.

Christophe Gallois